Fig. 2 - Mark Rothko, opere: Untitled – 1969, Collezione Christopher Rothko

La mostra invita proprio a questa esperienza: sostare davanti ai dipinti, lasciarsi attraversare dal colore, percepire quella tensione quasi spirituale che attraversa la sua pittura.

Di fronte ai grandi campi cromatici – blu intensi, rossi profondi, aranci luminosi, neri e grigi attraversati da vibrazioni di luce – la pittura di Rothko continua a chiedere qualcosa che oggi appare quasi insolito: tempo, attenzione, lentezza, concentrazione, disponibilità emotiva.

La mostra di Palazzo Strozzi si configura dunque non soltanto come una retrospettiva monografica ma evidenza la continuità di una ricerca che attraversa i secoli: quella di un’arte capace di interrogare l’uomo nella sua dimensione più profonda. In quest’ottica il progetto espositivo si estende anche ad altri luoghi simbolo della città, coinvolgendo le due tappe fondamentali del suo viaggio del 1950: il Museo di San Marco e il Vestibolo della Biblioteca Laurenziana.

Con questo progetto espositivo, Palazzo Strozzi conferma ancora una volta il proprio ruolo nel panorama culturale italiano, proponendo al pubblico un’esperienza capace di coniugare rigore scientifico e forte impatto emotivo.

Rothko a Firenze, sede di Palazzo Strozzi:

Il percorso espositivo concepito nella sede di Palazzo Strozzi si snoda cronologicamente permettendo di ripercorrere lo sviluppo dei diversi momenti della sua ricerca artistica.

Sala 1: Figurazione e Surrealismo

In questa sala si trovano alcuni esempi del primo periodo figurativo Di Rothko: scene urbane, nature morte, ritratti. La prima sala si apre con la visione del celebre ed unico autoritratto dell’artista, dipinto nel 1936 che prende inspirazione dall’autoritratto di Rembrant del 1660, visto al Metropolitan museum of Art di N.Y. All’inizio degli anni Quaranta l’artista lascia il figurativo per giungere ad uno stile neo-surrealista e, ispirandosi ai miti dell’antichità, crea figure biomorfiche e primordiali che diventano una chiave per accedere al modo dell’inconscio.

Sala 2: Multiforms, opere preclassiche e della prima fase classica

Verso il 1946 Rothko, superando lo stile neosurrealista, arriva al passaggio verso la dissoluzione delle forme. Crea grandi campiture di colore costruite attraverso sottili velature sovrapposte. Le opere di questo periodo diventeranno note in seguito come Multiforms. Nelle prime astrazioni dominano i contrasti cromatici in seguito, tra il 1948 e 1949, le superfici assumono una forma “organizzata” di cui l’opera No.3/No.13 ne è un esempio.

Sala 3: Anni Cinquanta

Le opere in questa sala mostrano il periodo considerato della sua maturità dell’artistica. È l’anno del viaggio in Europa e dell’incontro a Firenze con il Beato Angelico e Michelangelo, ma non solo. L’equilibrio cromatico, le proporzioni, la luce, tutto svolge un ruolo che parla dell’esperienza emotiva che l’artista vive e desidera far vivere, come nell’opera Untitled,1952-1953. La tonalità si sposta perso tavolozze più profonde e intense.

Sala 4: Metà e fine anni Cinquanta

È la sala dedicata alle opere di una fase considerata più introspettiva. La tavolozza vira su toni di verdi e blu che creano un’atmosfera di riflessione, quasi di silenzio contemplativo.

Sala 5 e Sala 6: Bozzetti per i Seagram Murals/Harvard Murals

Due piccole sale dedicate ai bozzetti realizzati tra il 1958 e il 1962, studi per la realizzazione della serie dei murali Seagram per Harvard. In particolare, i bozzetti riuniti nella sala n. 6 coincidono con un altro viaggio di Rothko in Italia, il viaggio del 1959.

Sala 7: Primi anni Sessanta

Sono qui raccolte alcune opere che l’artista realizzò per il Four Season ristorante all’interno del Seagram Building di New York progettato a Mies van der Rohe e Philip Jonson (di cui sono presenti in mostra alcuni disegni-saletta n. 5). Per queste opere Rothko trarrà ispirazione dall’architettura di Michelangelo, l’artista infatti era rimasto particolarmente colpito dal Vestibolo della Biblioteca

Laurenziana a Firenze, con i suoi grigi e bianchi in un ambiente pensato da Michelangelo come rottura col canone classico, con colonne incassate che non sostengono, finestre cieche, spazio angusto stretto e alto. Rothko realizza opere con ampie campiture di rosso scuro e nero prodomi degli Harvard Murals che avrebbe terminato nel 1962.

Sala 8: Tardi anni Cinquanta - primi Sessanta

Nel 1958 insieme ad altri artisti americani espone alla Biennale di Venezia in rappresentanza dell’America che mostra una nuova svolta dell’opera di Rothko. Nel 1959 visita Pompei e i templi di Paestum che influenzano la sua tavolozza dominata da rossi sempre più profondamente stratificati. Dirà: «Per tutta una vita non ho fatto altro che dipingere templi e non lo sapevo».

Sala 9: Tardi anni Sessanta

Nell’ultimo decennio Rothko, consacrato come artista a livello internazionale, si dedica ad opere commissionate da privati e da istituzioni pubbliche. Tra il 1964 e il 1967 realizzò l’importante progetto di quella che verrà chiamata la Rothko Chapel. Nel 1969 lavorò ad un progetto mai realizzato commissionato dall’UNESCO in cui Rothko tornò alla tela dopo essersi dedicato alla pittura su carta. Queste opere, sui toni dei grigi, sono incorniciate da un bordo bianco che fa focalizzare lo spettatore sul piano immagine.

Sala 10: Opere tarde su carta

Le opere degli ultimi mesi di vita, prima di suicidarsi nel suo studio il 25 febbraio del 1970, variano da colori molto cupi a colori quasi pastello. In questa sala è stato creato un omaggio al Battistero di Firenze in correlazione anche con la Rothko Chapel di Houston, creando un’architettura dedicata a queste ultime opere la cui gamma cromatica per lo più richiama una tavolozza quattrocentesca in un desiderio di spiritualità e contemplazione, come accennato precedentemente.

Rothko a Firenze, sede del Museo di San Marco:

Quando Mark Rothko arriva in Italia nel 1950, il viaggio europeo rappresenta per l’artista un momento di riflessione profonda sulla propria ricerca pittorica. Tra le tappe più significative del suo soggiorno c’è anche Firenze, città che lo colpisce profondamento, in particolare, resta profondamente impressionato dagli affreschi di Beato Angelico nel convento di Museo di San Marco.

Le celle affrescate per i frati domenicani, con le loro scene essenziali e silenziose, costruiscono uno spazio pittorico pensato per la contemplazione. Questa dimensione colpisce profondamente Rothko. In quegli anni l’artista sta già orientando la propria ricerca verso una progressiva riduzione delle forme e verso una pittura sempre più affidata alla forza del colore. L’incontro con la pittura di Beato Angelico sembra rafforzare questa direzione. Ciò che l’artista percepisce nella pittura del frate domenicano è soprattutto l’intenzione spirituale dell’immagine: la capacità dell’opera di trasformarsi in luogo di raccoglimento e di esperienza emotiva.

Nelle celle di San Marco, sono state collocate cinque opere di Rotkho di piccole dimensioni, in dialogo con cinque degli affreschi che avevano contribuito all’idea del colore come spazio da vivere (celle 1-3-4-6-7). Come è stato detto durante la conferenza stampa dalla curatrice Elena Geuna «La scelta delle opere accostate agli affreschi del Beato Angelico nelle celle del complesso di San Marco ha seguito un criterio di affinità di colore, materia e soprattutto di spirito».