Una mostra virtuosa come virtuoso era, a dir dell’Aretino[1] e del Ridolfi[2], colui a cui è dedicata: Lotto Laurentjo, pictor.

L’esposizione, infatti, non si limita ai 90 giorni di rassegna, ma è stata preceduta e sarà seguita da azioni di tutela e valorizzazioni considerevoli: un’imponente campagna di restauro delle opere dell’artista ha, parzialmente,  anticipato, in parte, si svolgerà contestualmente[3] e, per finire, seguiterà l’evento, che ha il compito di fungere da cassa di risonanza per un ambizioso progetto culturale denominato “Terre di Lotto”[4].

A distanza di circa tredici anni dalla fondamentale antologica itinerante[5] organizzata della National Gallery of Art di Washington e dall’Accademia Carrara di Belle Arti di Bergamo, Roma, la città che non seppe capirlo[6], celebra il suo “genio inquieto” con una retrospettiva che si comprende con uno sforzo di memoria: dopo Antonello da Messina (2006) e Giovanni Bellini (2008), non poteva non esservi una monografica dedicata al tormentato artista veneziano, terzo elemento di un'ideale triade.

Un’occasione per “scusarsi” e per  tributargli l’onore meritato: il pittore, infatti, dimenticato per secoli, diffamato dal grammatico veneziano Ludovico Dolce, che lo attacca per le sue “cattive tinte” e lo accusa di essere un reazionario, ovvero, un quattrocentista in ritardo[7], è oggi ritenuto, al pari di Caravaggio, un pittore del ‘900[8].

Il caratteristico uso del colore[9], il particolare taglio delle prospettive[10], la luce fredda e pulita[11], il dinamico ritmo compositivo, il  segno nitido ed incisivo e il rapporto di sguardi e gesti tra i personaggi rappresentati rendono l’opera dell’artista veneziano, nato verso la fine del Quattrocento, carica di emozioni interiori e di inquieti turbamenti. Come un “moderno psicologo” il pittore, nel corso della  sua esistenza, ha raccontato con  forza di penetrazione psicologica l’intima essenza della vita degli uomini con cui è entrato in contatto. Non a caso, la sua riscoperta, da parte dello storico americano Bernard Berenson[12], avviene, alla fine del XIX secolo, l’epoca che ha visto la nascita della teoria della psicanalisi di Freud.

La rassegna, organizzata dall’Azienda Speciale Palaexpo, e curata da Giovanni Carlo Federico Villa, presenta una sessantina di opere che testimoniano l’originale ed autonomo escursus artistico del maestro che, conciliando alcuni elementi tradizionali della grande pittura della sua epoca con situazioni che sono vere e proprie anticipazioni dell'età manierista successiva, ha inventato un modo nuovo di dipingere[13]. L’intera sua vicenda lavorativa può idealisticamente essere racchiusa entro il triangolo geografico segnato dalle città di Treviso, Bergamo e alcune piccoli centri delle Marche.

La mostra segue una ripartizione tematica, in subordine cronologica: le grandi pale di altare, i ritratti e le opere destinate al culto privato. Un’efficace ed innovativa illuminazione a led, appositamente sviluppata per restituire nel miglior modo possibile le tavole alla visione del pubblico[14], anima la già vivace pittura dell’artista e seguirà, a evento concluso, i quadri nelle sedi di conservazione permanente.

L’allestimento è sobrio, curato, adeguato e suggestivo, non prevarica né ambisce a sostituirsi alle opere, ovvero ne esalta la visione: un serrato percorso, in un’atmosfera suggestiva, che contempla tutta la produzione di Lorenzo Lotto, dalle grandi pale d'altare alle opere devozionali.

Al primo piano, entro cornici architettoniche che richiamano le forme degli altari, è raccontata la religione, sono esposte le grandi pale provenienti dal Veneto, dalle Marche e dalla Lombardia. Segnaliamo la struggente Pietà, cimasa della Pala di Santa Cristina al Tiverone (1504-06), di modi ancora belliniani, dai quali, però, si discosta per sensibilità luminosa: lo sfondo scuro e i colori freddi e cangianti restituiscono una scena sconvolgente e patetica, carica di un’intensa emotività espressa nel ritmo mosso dei gesti delle figure e nel variare delle luci e delle ombre.  

Il Polittico di San Domenico (1508, fig. 1), proveniente dalla Pinacoteca Civica di Recanati, alto oltre 4 metri e mezzo, chiude la fase giovanile del pittore. Entro un’architettura ancora monumentale, si svolge una semplice e raccolta sacra conversazione tra figure non atteggiate classicamente, piuttosto in pose aggraziate, quasi manieristiche, e disposte in modo incerto attorno al trono. La sua raffinata arte comunica un sentimento religioso profondo, ma non quello della Chiesa imperante, bensì quello della Chiesa degli umili[15]. La pala è una compiuta sintesi delle diverse componenti del suo linguaggio: l’impianto, come partizione dello spazio dipinto, è ancora quattrocentesco, l’architettura prospettica a lacunari è di matrice belliniana, ma non ha nulla della monumentalità antica, la forte emotività, espressa con accenti  dinamici ed emozionali tipici del mondo nordico, è chiaramente di  discendenza durerana e la luce radente, che si insinua con forti contrasti tra le forme spigolose, risplendendo sulle note alte e fredde delle campiture cromatiche è assolutamente personale.

L’anti-monumentale struttura architettonica della tavola di Recanati scompare nella Pala di San Bernardino (1521, Chiesa di San Bernardino, Bergamo, fig. 2),  la sacra conversazione tra santi si svolge, infatti, attorno ad un trono, coperto da una tenda effimera, immerso in uno spazio aperto; ogni senso di ritualità ufficiale svanisce a vantaggio di un sentimento intimo e confidenziale. La sua arte anti-classica e anti-retorica si sublima nella capacità dell’artista di penetrare il vero senso delle cose.

Consigliamo di soffermarsi qualche secondo di più sulla bellissima e toccante Madonna dell’Annunciazione del Polittico di Ponteranica (1525, Chiesa dei Santi Alessandro e Vincenzo, Bergamo, fig. 3): appoggiata al leggio, vestita di rosso, velata di bianco e ammantata di blu, in atteggiamento di sorpresa, esprime una calma e serena paura, non è la Vergine dell’iconografia tradizionale appena intimorita, ma è una ragazza smarrita, sorpresa da un delicato Gabriele, rappresentato con una  veste leggerissima, capitato lì per una ragione. Il senso di religiosità che Lotto riesce a trasmettere con la sua arte è profondo, schietto e  allo stesso tempo raccolto, spirituale e, soprattutto, vero.

Non possiamo non indugiare sulla celeberrima Elemosina di Sant'Antonio (1542, Basilica di SS. Giovanni e Paolo, Venezia) ultima commissione pubblica veneziana. La composizione, apparentemente tradizionale, costruita per piani paralleli in altezza e secondo direttrici incrociate, si rivela particolarmente originale nel punto di vista dal basso: la folla di postulanti, tutti con propria ed univoca individualità, è il propulsore dell’opera.

Salendo al piano superiore troviamo esposto il cosiddetto “Lotto migliore”, il più emozionante e toccante, sono in scena i ritratti.

Il maestro, con questo genere pittorico e la sua particolare tecnica coloristica, raggiunge l’apice dell’espressione artistica personale: l’uso sapiente e calibrato della luce,  la stesura pura dei colori e la particolare capacità di servirsi delle ombre rendono i suoi ritratti delle poesie interiori. Nonostante la sua natura introversa e malinconica sa restituire, con facilità e maestria, le più sottili modulazioni psicologiche: i caratteri precipui dei ritrattati emergono con ardore e si svelano particolari reconditi delle psichi dei committenti. Ritmi concitati e turbinosi si alternano a pacatezza intensa e vibrante, i suoi non sono ritratti solenni o ufficiali, non rappresentano lo status del richiedente, ma si realizzano in uno scambio di confidenze, sono testimonianze autentiche dell’animo del ritrattato, una galleria di sentimenti veri. Dove abbia appreso a guardare così profondamente alla natura umana è presto detto, per il tramite di Alvise Vivarini, impara da Antonello da Messina e inscena ritratti così intensi da ricordare  Albrecht Dürer e la sua arte sensibilmente inquieta, palpitante ed emotiva.

Bernardo de’ Rossi (1505, Museo di Capodimonte, Napoli, fig. 4), il vescovo che per primo e, ahimè, per poco protegge il pictor celeberrimus, si rivela subito  con uno sguardo arguto ed arrogante, la luce chiara penetra nelle forme palesando particolari altrimenti non ravvisabili: il volto roseo, i due porri sulla guancia e i bottoni sulla veste. In questa occasione la tavola è riunita all’originaria coperta protettiva raffigurante l’Allegoria della Virtù e del Vizio (1506,  Kress Collection, Washington).

Del 1512 è la piccola pittura raffigurante Giuditta con la testa di Oloferne (Collezione BNL, Roma, fig. 5), il soggetto non è l’evento biblico, la testa del generale assiro non trova neanche spazio nella scena, bensì i sentimenti dell’eroina dei giudei che salva il suo popolo: le espressioni delle due donne manifestano due cuori frementi di paura, mista ad orgoglio, per il valoroso gesto appena compiuto.

Il Cristo porta croce (1526, Museo del Louvre, Parigi) è un’indagine profonda e drammatica sull’umanità di Gesù, un uomo, profondamente ferito nell’animo, che soffre piangendo lacrime e sangue. L’analisi psicologica è estesa ai raccapriccianti sgherri, che tagliati parzialmente fuori dalla scena, si palesano in tutta la loro spietata ferocia.

Introspezione e ricerca interiore raggiungono livelli altissimi nella Lucina Brembati (1518, Accademia Carrara, Bergamo, fig. 6); la donna, in segno di sfida, ha gli occhi fissi sul riguardante e un ghigno canzonatorio invita a risolvere il rebus del suo nome.

Il curatore della mostra ha voluto mettere a confronto due Annunciazioni: quella di Jesi (1526-27, fig. 7) e quella di Recanati (1534-35, fig. 8). In entrambi i casi la Madonna in preghiera non ha nulla della regina-Vergine tramandata dalla storia dell’arte, ma è una brava ragazza del popolo, impaurita e colta di sorpresa mentre prega in una casa qualsiasi; anche la tradizionale aurea di sacralità lascia il posto ad una rappresentazione entro ambienti qualunque. Un interno anonimo, nel caso delle due tavole di Jesi, e una casa signorile veneziana colta nella sua quotidianità per la tela di Recanati[16], come a sottolineare la presenza costante di Dio nel vita terrena. In entrambi i frangenti   il corpulento arcangelo Gabriele, azzurro e luminoso sta goffamente planando al suolo, la  sua fisicità è data dalle leggerissime vesti ancora mosse ed è sottolineata dall’ombra proiettata sul pavimento color ocra, Lotto ferma l’istante che precede il contatto con il terreno. I due protagonisti appartengono a mondi diversi, la Madonna, ammantata di un rosso caldo e corposo, simboleggia la natura umano-terrestre, mentre l’Angelo, vestito di un celeste freddo e splendente, personifica l’universo soprannaturale ed etereo del divino[17]. La protagonista è ancora una volta la luce, “un soffio discontinuo e vagante”[18], che illumina l’improvvisa apparizione del messaggero di Dio e coglie la sconcertante sorpresa della Vergine inginocchiata, intenta a leggere la Bibbia. Sono Annunciazioni animate da un’inconsueta e sacra concitazione nonchè da un dinamismo proprio.

Le indagini introspettive del pittore spesso si caricano di una vena triste e nostalgica, è il caso del Giovane Gentiluomo (1532, Galleria dell’Accademia, Venezia). L’uomo, dal viso emaciato e la veste scura, aristocratica con camicia bianca e polsini ricamati, è avvolto in un’atmosfera  sottilmente luttuosa, ci scruta, non ci leva gli occhi di dosso, si immerge e si perde in se stesso. Una serie di rimandi simbolici (il liuto, il corno da cacci, l´uccello morto, il libro, le lettere i petali di rosa, la lucertola, il bacile), inseriti non casualmente, rinviano alla disposizione intellettiva del ritrattato nonché allo stato d’animo evidentemente malinconico.

Il cuore di questo mondo malinconico è il ritratto di Andrea Odoni (1527, Royal Collection, Windsor Castle, Windsor, fig. 9), l’archetipo del collezionista, un ricco mercante di quadri, sculture, monete, gemme e vasi antichi, un raccoglitore appassionato di curiosità naturali (radici, serpenti pietrificati, camaleonti essiccati, conchiglie rarissime ecc.). Il nobiluomo, rappresentato con la tipica enfasi sentimentale del maestro, è  raffigurato tra la propria collezione di marmi antichi[19], indossa un ricco mantello scuro bordato di pelliccia, porta al collo una catena d’oro e reca in mano un una scultura di Diana Efesina.

Concluderei questa visita ideale con la Presentazione al tempio di Gesù (1552-1556, Museo Antico Tesoro della Santa Casa, Loreto), che è anche l’ultima opera, lasciata interrotta, del maestro veneziano. Citando Berenson “L’opera più meravigliosa, dal punto di vista psicologico: ed altrettanto si può dire della sua materia pittorica usata con una modernità che richiama certi modi degli impressionisti” ["As interpretation, in fact, Lotto never before did anything quite so wonderful, and almost as much may be said of the workmanship. The paint is put on in a way even more modern than in Titian. Indeed, to find the like of it, we have to turn to the works of contemporary Impressionists" (cfr. B. Berenson, Lorenzo Lotto, an essay in Costructive Art Cristicism, London, 1905, p. 234)], i colpi di pennello si sono fatti insolitamente incerti e tremolanti, il pittore, vecchio e miope, entro una architettura manierista, crea una composizione, illuminata da una luce crepuscolare, animata da personaggi dai volti emaciati, alcuni dei quali troppo in ombra per essere visti chiaramente. L’artista realizza un’opera autobiografica, densa di composta e penetrante commozione, inscena, cioè, la propria misera condizione umana[20], e manda un messaggio di fede, ossia, che tutta l’infelicità conosciuta può essere affrontata e superata solo per mezzo della grazia.

Questa mostra rappresenta il riscatto, auspichiamo la definitiva consacrazione, di questo straordinario maestro, umbratile, introverso, a tratti schivo, “il veneziano fuori dalla cerchia di Venezia”[21], colui che ha saputo esprimere, grazie al suo approccio psicologico, in modo disinvolto e sublime l’animo e gli affetti  di chi gli è stato di fronte.

Il catalogo

A cura di Giovanni C. F. Villa ed edito da Silvana Editoriale il catalogo è dedicata a Pietro Zampetti “infaticabile esegeta di Lorenzo Lotto”[22] recentemente scomparso.

In brossura con alette e tipograficamente pregevole, esibisce un’attenzione editoriale apprezzabilissima.

I saggi introduttivi, elaborati da Peter Humfrey, Giovanni e Renzo Villa, sulla vita e sulle opere del maestro, configurano il volume non un semplice catalogo di mostra, ma una necessaria e aggiornata monografia sul Lotto.

Diversi gli studiosi, esperti di arte veneta, che hanno partecipato alla sua realizzazione, colpisce, o quanto meno incuriosisce, l’assenza, con l’eccezione del Professor Humfrey, dei, parafrasando una recente esposizione, “grandi veneti”, Mauro Lucco, che comunque è parte del  comitato scientifico dell’antologica, e, soprattutto, il Prof. Augusto Gentili, forse il massimo esperto di arte veneta in Italia, che interverrà come relatore ad una delle conferenze gravitanti attorno alla rassegna come evento.

Circa 300 pagine e ben 200 illustrazioni a colori; immagini intere e particolari dei dipinti  svolti, perlopiù, a piena pagina, ci propongono una sintesi compiuta di tutta la produzione artistica del maestro: dalle grandi pale d’altare ai quadri devozionali fino ai superbi ritratti.

L’opera a stampa ha una sua originale struttura, diversa dal tradizionale svolgersi dei lavori di questo genere. Snella la consultazione: le prime 20 pagine, riguardano gli usuali saluti e ringraziamenti di coloro che hanno sostenuto, partecipato, patrocinato e voluto la monografica, le successive 50 pagine sono costituite, come di consueto, dai rilevanti testi di letteratura scientifica relativi al Lotto, alla sua vita, alla fortuna o sfortuna critica e ai ripristini che hanno preceduto la realizzazione della rassegna.  Si ricostruisce, con abbondanza di particolari, la vicenda artistica del pittore che si divide tra il Veneto, le Marche e la Lombardia, con una piccola parentesi alla corte papale.  

Segue lo svolgersi  del catalogo vero e proprio, secondo una logica prettamente tematica, che non tiene assolutamente conto dello percorso studiato  per l’esposizione stessa.  Le prime 70 pagine sono dedicate alla “produzione religiosa”: un saggio sull’argomento di Marco Vallona introduce alle Pale d’altare, alle Sacre Conversazioni ed alle altre opere di carattere  religioso, ma di committenza “pubblica”. 17 schede redatte in forma classica (autore, titolo, datazione, supporto, dimensioni, luogo di conservazione, iscrizioni, restauri eventuali, bibliografia e analisi storica, iconografica, attributiva ed estetica del quadro), stigmatizzano il corpus sacro dei lavori presenti in rassegna. Le successive 50 pagine catalogano la “pittura devozionale”: 14 schede, precedute da uno scritto di Marco Collareta, dove si spiegano i caratteri salienti del genere pittorico ed il significato attribuitogli dall’artista, svolgono con rigore l’analisi delle piccole opere destinate alla devozione privata.

Seguono altre 50 pagine, dove, introdotte dal testo di Elsa Dezuanni sul Lotto ritrattista, si ricompongono, in 17 cartelle, i bellissimi ritratti del maestro veneziano.

Il catalogo, stricto sensu, termina con l’ultima sezione dedicata alla “pittura profana”, 4 schede, precedute dal saggio di  Margaret Binotto sulla dialettica tra virtus e voluptas, completano l’analisi dei quadri esposti all’antologica romana.

Un ultimo lavoro sulla tecnica pittorica del nostro, steso dal fisico, esperto di restauro di opere d’arte, Gianluca Poldi, conclude l’apparato critico-scientifico del volume che si configura prezioso e vitale per la comprensione delle dinamiche storico-culturali che hanno fatto da cornice alla vita inquieta del veneziano tra la fine '400 e la prima metà del ‘500.

Segue un’approfondita e precisa bibliografia, ordinata in senso cronologico, e le necessarie referenze fotografiche.

 LA MOSTRA

Dove: Scuderie del Quirinale, Roma
Quando: 02 marzo - 12 giugno 2011